两门艺术的底色融汇，徐悲鸿说素描是一切造型艺术的基础错了吗

中国画到底要不要素描？或者说两门艺术的底色融汇，素描是不是一切造型艺术的基础？这句话差不多讨论了一个世纪，到现在仍然没有讨论清楚，因为赞同和反对中国画运用素描关系的人，几乎各占一半，谁也说不服谁，所以，中国画自从20世纪初期受到西方绘画影响后，依然跟素描保持着若即若离的关系。

头像素描

以个人的认识来说，“素描是一切造型艺术的基础”，这句话不完全正确。这句话从本质上是以西方绘画的标准来审视和要求中国画的，有绑架中国画创作方式和审美趣味的意味，到头来，只会让中国画越来越接近西画，从而丧失中国画的独特性。

什么是中国画的独特性？想必长期从事国画创作的人都很清楚。

工笔人物画

一是写意精神。

中国画早在2000多年前就形成了比较完善的理论体系，有“应物象形”一说，而没有“造型”一说。应物象形在中国画里还不是主要追求目标，中国画最重要的艺术追求是“气韵生动”和“骨法用笔”。

肖像素描

意思是说，中国画从来都是以书法用笔入画，描绘出物象的大概轮廓和质感，追求物象的神韵，提炼出物象的精气神，进而完成对画面形而上的意境格调的表达，而不是追求造型准确，形象逼真等方面的元素。

大写意国画

二是构建笔墨的独立生命力。

这一点还跟造型有关。因为中国画的笔墨和形象是融为一体的，在对层次感的表达上，是依靠笔墨的深浅、轻重、干湿等用墨方法来展现，是一种二元辩证关系，如果重视了造型的准确，势必要淡化笔墨的韵味和线条的骨力，继而丧失掉笔墨本身的涵义。

西画在诞生之初，跟中国画的审美观完全不同，追求真实感是它的基本理念，这就需要画家再现生活中物象的真实原貌，造型的真实，光影关系的真实，色彩的真实，都是油画家必须遵循的原则。

静物素描

目前，美术学院教育出来的学生，在画国画时，往往忽略了中国画原有的审美标准，用西画技法和思维来创作国画，更进一步说，他们是在拿素描方式画国画，这样创作的最大好处是，可以让国画更容易被西方人接受和认可，因为西方人可以看懂它们。

最大坏处是，让国画的传统趣味越来越弱，越来越丧失了纯正的根脉。

艺术再高尚、神圣，也要有人去经营它，经营艺术的人被称之为艺术创作者，有些被称之为艺术家，从此之后艺术的命运就由艺术家掌握着，要高雅与低俗都是由艺术家说了算，所以“艺术家”成为了一个非常高大上的头衔，那么艺术家对一个时代的艺术有着怎样的影响力呢？

艺术家对一个时代的艺术的影响力开篇已经说了，艺术的命运直接掌握在艺术家的手里，然而，一个时代的艺术家不只是只有一个两个，伟大的艺术时代必然会诞生很多伟大的艺术家，这是良好的艺术氛围所致，每个人都很真诚的对待艺术，创作艺术，自然艺术的发展就是欣欣向荣，

我们耳目能祥的欧洲文艺复兴时期，每个艺术家都是很用心的创作艺术，以至于欧洲文艺复兴时期成为了西方人类文明的新生，换句话说，如果没有被称之为“欧洲文艺复兴三杰”的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，那么文艺复兴的巅峰时期就无法出现，

艺术不是一个“概念”，它是对生命的表达，只有用高尚灵魂来创作的艺术家，其艺术作品才有灵魂生命力；只有高瞻远瞩洞察力的艺术家，也才能看到时代的背景，从而创作出符合时代审美的艺术作品，艺术没有极限，但有章法，就好比，人的灵魂有高低贵贱，

即便一群天才艺术家造就了一个伟大的艺术时代，但艺术家也要经历生老病死，艺术创作是一个继承传承“接力赛”的过程，没有人可以保证，每个时代都有一大群杰出的艺术家，最典型的例子，欧洲文艺复兴晚期，也就是拉斐尔死了之后，意味着文艺复兴巅峰期的结束，随后出现的一群“样式主义”艺术家就是刻意追求模仿前人的名作，纯粹追求视觉效果，得其形式而失其精神，导致文艺复兴晚期的艺术非常的糟糕透顶，综上所述，这就是艺术家对一个时代的艺术的影响力。